A relação é cativante. A energia fluindo sem esforço entre eles significa que você sente instantaneamente sua conexão, seu afeto compartilhado, seu dar e receber. É de longe o relacionamento mais forte na produção. A única dificuldade é que é aquela entre Julieta de Francesca Amewudah-Rivers e a excelente enfermeira de Freema Agyeman. E em Jamie Lloydprodução de “Romeu e Julieta”estrelando o título que ganhou as manchetes Tom Holanda (em uma tiragem que esgotou em duas horas), isso é um grande problema. E não o único.
Uma imagem gigante projetada da data nos diz que estamos em 1597, mas Lloyd se esforça para apresentar um mundo totalmente contemporâneo. E, como aconteceu com sua reinvenção vital de “The Effect” de Lucy Prebble (transferido do National Theatre para The Shed de Nova York) e a próxima transferência para a Broadway de seu esgotado, mas mais divisivo “Sunset Boulevard”, a estética em exibição – exibição sendo a palavra-chave – é ferozmente despojada.
O design monocromático de Soutra Gilmour é composto por vigas de aço que sobem e descem em um conjunto careca, sem decoração nem adereços. Este é um mundo de sombras intensas criadas pela forte iluminação lateral de Jon Clark, permitindo que artistas vestidos de preto apareçam dentro e fora da escuridão.
O elemento mais brilhante vem através de vídeo, espalhado por uma tela que abrange todo o palco e filmado ao vivo por duas Steadicams, mostrando os artistas no palco ou, como já é um clichê após sua primeira aparição muito copiada em “Network” de Ivo Van Hove, em sequências. em que os personagens são revelados caminhando dos corredores dos bastidores para o palco ou, neste caso, vistos descendo de uma cena ao ar livre no telhado do teatro.
Apesar de todo o foco nessas e outras projeções de momentos intensos em close, o elemento que mais chama a atenção é o som. Cada momento é sublinhado por tudo, desde picadas repentinas e zumbidos industriais intensos e carregados de destruição, até rajadas de drum ‘n’ bass em uma tentativa de adicionar tensão.
Cada ator não apenas tem um microfone colado em seu rosto, mas, na maior parte da (in)ação, eles ficam de frente impassivelmente, como se estivessem presos a uma vara, na frente do palco em suportes de microfone, entregando o texto. O resto do palco quase nunca é usado. Por mais inegavelmente cativante que isso seja inicialmente, você gradualmente percebe que eles estão recitando palavras para o público, e não para ele. O resultado, preocupantemente, é a ausência de qualquer coisa que se assemelhe à conexão.
Este banimento autoconsciente do naturalismo tradicional, supostamente para focar no texto, não é uma abordagem nova, mas dada a falta de pistas visuais ou de manifestação física das relações, é extremamente difícil seguir quem é quem ou o enredo real. Os recém-chegados provavelmente ficarão perplexos com tudo, exceto o mais básico da história.
As coisas não são ajudadas pela insistência de Lloyd na suposta intensidade silenciosa obtida quando todos sussurram ou, ocasionalmente, gritam. Quase ninguém, exceto a enfermeira lindamente caracterizada e paciente de Michael Balogun, Friar, realmente fala. Durante a maior parte do tempo, as falas são entoadas, muitas vezes em um ritmo lento ou muito lento. Noventa por cento da peça é escrita em versos, mas aqui o ritmo das falas é completamente quebrado por pausas nas quais a energia e o sentido são drenados e o significado é perdido. Da mesma forma, falta totalmente a exuberância do amor e da juventude. Uma das maiores vítimas disso é Mercutio (Joshua-Alexander Williams), cujo personagem é totalmente privado de dinamismo impulsivo – o que significa que seu famoso e longo discurso não vale nada.
A exceção a tudo isso é Julieta. No primeiro tempo em particular, a calma bem fundamentada de Amewudah-Rivers rendeu enormes dividendos. Sua compreensão de sua personagem atrai o público até ela, e suas reações perspicazes são altamente legíveis. Ela, assim como os atores mais velhos e habilidosos, é capaz de encontrar nuances no estilo predominante. Mas Holland carece de sua presença de palco. Ele é perfeitamente plausível como Romeu apaixonado, cada vez mais estressado e angustiado, mas ele emociona em vez de provocar emoções.
Ambos os intervenientes são prejudicados pela (sobre)extensão lógica da abordagem do Lloyd’s. Juliet se senta na frente para tomar o veneno e depois fecha os olhos. Mas em vez de encenar a descoberta angustiada da enfermeira sobre seu corpo e as reações de seu pai, Lloyd os alinha no fundo do palco, de costas para o público. Ouvimos as falas, mas sem reações para assistir, a cena é bizarramente desprovida de qualquer resposta emocional.
O mesmo ritmo careca e monótono persegue a abordagem trabalhadora de Holland na cena final. Há mais tristeza criada no discurso de encerramento do Frade, prova de que, por mais estilizada que seja a produção, ela está escravizada por seus efeitos, mas não consegue produzir um efeito dramático.
É profundamente irônico que na peça mais famosa do mundo sobre o amor jovem e a morte, os personagens pelos quais você mais simpatiza sejam a Enfermeira, o Frei e até os pais. Certamente não pode ter sido a intenção fazer uma produção em louvor à geração mais velha.