Ninguém, sabiamente, transformou “A Long Day’s Journey Into Night” numa ópera – até porque, sem dúvida, a peça mais famosa de Eugene O’Neill já o é. Apresenta extensas árias solo misturando memória e dor e, excluindo as notas altas da comédia da empregada, o enredo quase insignificante opera como um quarteto vocal. O trabalho do maestro – ou melhor, do diretor – é tecer e construir o som para obter o máximo efeito dramático. Liderado por Brian Cox (“Sucessão“) e Patrícia Clarkson, O elenco de solistas do West End de Jeremy Herrin é definitivamente forte. No geral, porém, sua produção não sustenta totalmente o complicado ato de equilíbrio.

A peça, o mais potente estudo de negação do teatro, é aproveitada pelo papel dominante do pai autoritário, James Tyrone, cuja presença dentro da família miserável e destruída exige que ele se destaque mesmo quando fora do palco. É um papel que não precisa apenas de ameaça; requer um ator capaz de acessar o fogo interno para alimentar sua raiva.

Dada a facilidade aterrorizante e deliciosa que ele usou como o cruel Logan Roy em “Succession”, Cox faz todo o sentido no elenco como James tirânico e egoísta. Aos 77 anos, ele está um pouco velho para o papel, o que ultimamente prejudica a credulidade no que diz respeito à relação física entre ele e os filhos. Mas, como demonstra sua bravura cena final, ele é uma presença imponente.

Descendo, através da bebida e da exaustão, ao estado que é o mais próximo que ele chega do insight sobre seu fracasso controlador e mesquinho com sua família, Cox está em ótima forma nesta cena. Furioso com a verdade de seu combativo filho mais novo, Edmund (Laurie Kynaston), ele nos permite ver um homem quase capaz – apenas por breves momentos – de vislumbrar a verdade de sua própria responsabilidade no terrível psicodrama familiar.

Mas o arco lento do papel não está ao seu alcance. Sua cena de abertura é muito alta: a família está conscientemente agindo feliz agora que a matriarca Mary (Patricia Clarkson) está em casa e sóbria, mas o brilho excessivamente sinalizado de Cox milita contra o envolvimento do público.

Essa autoconsciência inicial também contagia os dois filhos. Daryl McCormack tem uma arrogância excelente e desdenhosa como o autodepreciativo James Jr., mas quanto mais a peça continua – e na escrita excessivamente insistente de O’Neill, certamente é longa – sua falta de conexão convincente com seu irmão doente se torna cada vez mais problemática. . Sim, os meninos estão, por motivos finalmente descobertos, distantes uns dos outros. Mas para que a dinâmica familiar funcione, precisamos de os ver não só a lutar contra isso, mas também a partilhar um certo grau de proximidade. A química física, aqui, está faltando.

A tuberculose que matou o bem considerado Edmund de Kynaston é, felizmente, subestimada. Ele gentilmente indica tristeza sem exagerar e no confronto final com seu pai, seu autocontrole funciona em equilíbrio com o caos de seu pai. Mas em outros lugares, como a maioria dos personagens desta produção, exceto a empregada inteligente e bem avaliada de Louisa Harland, ele parece muito isolado, como se estivesse interpretando o final da peça desde o início.

Neurastênica, vibrante e frágil, a Mary de Clarkson desliza positivamente pelo dia da peça com uma doçura que desmente lindamente sua dor interior. Seu nível de negação é tão absoluto que ela é capaz de manter a dignidade o tempo todo, não importa o quão perturbadoramente vazias sejam suas ilusões.

Herrin conhece segredos e mentiras em dramas de dependência, tendo dirigido o escaldante e premiado “People, Places, Things” de Duncan MacMillan. Aqui, o ritmo da performance de Clarkson é a linha mais forte desta produção. A maneira como ele lida com os momentos finais dela, colocando-a calmamente sentada na beira do palco, é magistral.

Em outros lugares, nem todas as suas escolhas são úteis para um texto tão extenso. O conjunto de madeira conscientemente careca de Lizzie Clachan enfatiza demais a falta de dinheiro que James dá para administrar uma casa. Mais uma declaração do que um design útil, deixa a criação da atmosfera para os atores e a iluminação. Até mesmo um designer de iluminação tão habilidoso como Jack Knowles enfrenta dificuldades com a demanda.

Em uma peça que se esforça para apontar o som intrusivo das buzinas de nevoeiro, parece antitético ter uma paisagem sonora adicional tão perceptível que alerta em voz alta o público sobre a destruição que se aproxima, ou sobre a qualidade etérea da felicidade de Mary. estado de morfina. Esta paisagem sonora ativa alguns momentos, mas nivela as cenas seguintes. A ironia disto é que, numa peça tão notoriamente prolixa, foi a ausência e, principalmente, o silêncio que se revelou tão letal nas suas vidas.

O poder cumulativo de uma jornada ainda terrivelmente reconhecível através de uma esperança desesperada e equivocada garantiu a longevidade do drama de O’Neill. Apesar da irregularidade desta produção, o brilho terno de Clarkson a mantém viva.

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