De acordo com a tradição teatral, foi Elizabeth I quem exigiu que Shakespeare escrevesse outra peça sobre Falstaff, que, supostamente, foi a razão pela qual ele escreveu “As Alegres Comadres de Windsor”. A Rainha poderia ter ficado um pouco menos interessada se tivesse vivido mais alguns séculos e o descoberto através de Robert Ickea versão conjunta das duas peças originais de Falstaff que compõem as duas partes de “Henrique IV.” Ian McKellenO desempenho dominante de é previsivelmente hipnotizante, mas está muito longe do tradicional patife cativante. Tanto a interpretação como a produção inteligente e austera de Icke são, em sua maior parte, surpreendentemente amargas.
A grandeza das duas peças de Shakespeare – aqui nitidamente cortadas e apresentadas juntas durante uma noite – é que nenhuma delas é uma comédia ou uma tragédia: elas são, gloriosamente, ambas. Ou, pelo menos, deveria ser.
Embora, como o título sugere, cubram o reinado do monarca Tudor Henrique IV, eles são na verdade uma tela gigante e vívida das vidas dos Tudor, altos e (muito) baixos, numa época em que o país estava literalmente em guerra consigo mesmo. Ocupando ambas as classes está o filho de Henry, o príncipe Hal (Imagem: Divulgação)Toheeb Jimoh de “Ted Lasso”) que, no final da peça, sucede a seu pai no trono. E nesse ponto, ele abandona não apenas sua vida de alegre libertinagem, mas também o homem que o ajudou a desperdiçar sua juventude, Falstaff.
Um drum’n’bass estrondoso chega para criar uma festa de sexo sombria e perigosa, completa com alguém com coleira e coleira sendo arrastado pelo palco e o traseiro de Hal dançando. Ele demonstra desafiadoramente que esta é uma abordagem contemporânea da bebida e da prostituição que é rotina na Boar’s Head Tavern, em Eastcheap, Londres. Mas por mais visceral que seja a imagem, tal como grande parte da produção, ela não só corre o risco de ser exagerada, como também rouba qualquer calor do meio, comprometendo assim o envolvimento do público.
Presidindo tudo isso, de cabelos brancos, desdenhoso e mais cruel do que o normal, está o egoísta e abertamente vilão Falstaff de McKellen. Ele é fortemente acolchoado, mas McKellen pega isso e segue em frente: ele incorpora uma arrogância decadente, um registro corpulento e suado de uma vida dedicada à indulgência às custas – e custo – de outros. Indiscutivelmente o maior ator clássico de sua geração, o domínio de McKellen do palco, da linguagem e também, crucialmente, do silêncio, mantém o público extasiado, especialmente em solilóquios alegremente autoengrandecedores. Assim como Falstaff faz com qualquer pessoa dentro da órbita de seu personagem, McKellen envolve o público de forma vitoriosa em seu dedo mínimo, apresentando um homem ora bajulador, ora rugidor, sempre em seu próprio benefício.
O que ele nem sempre consegue é perder-se nas relações da peça. Isso ocorre porque o tecido da produção circundante carece de textura.
Por mais revigorante que seja o fato de Icke não considerar nada garantido na peça, nesta produção (ao contrário de sua “Hamlet” extremamente bem sucedido e convincentemente repensado com Andrew Scott), não há o suficiente para formar uma visão completa, especialmente no segundo tempo mais lento. É como se ele sublinhasse fortemente as suas ideias sobre a nação, a guerra, o interesse próprio e assim por diante, mas não conseguisse inseri-las no texto para permitir que o público pensasse e respondesse. Por mais impressionante que seja retratar Hal como um covarde apunhalando seu principal rival, Hotspur, pelas costas, parece mais uma imposição barulhenta do que uma interpretação.
Essas qualidades também ficam evidentes no fraco manejo das cenas bucólicas de Gloucestershire com os idosos Shallow e Silence. A iluminação de Lee Curran, que se moveu entre o frio Eastcheap, a corte crepuscular e a batalha encharcada de sangue, de repente muda para um brilho quente e brilhante, como se dissesse: aqui reside a comédia. Mas embora a mudança de ritmo e tom seja bem-vinda, cortar a reunião de homens de Falstaff nessas cenas significa que a ressaca desaparece e tudo o que resta são risadas moderadas.
O Henry de Richard Coyle tem seriedade, em parte graças ao apoio nítido e discreto de Annette McLaughlin como Warwick, seu chefe de gabinete. Suas severas cenas de tribunal são encenadas com simples eficácia nos astutos e múltiplos cenários de paredes de tijolos de Hildegard Bechtler, que entram e saem para criar mundos diferentes. Mas, novamente, no confronto final com ele e seu filho, fazer Coyle pular desesperadamente de seu leito de morte para o confronto parece mais gestual do que um momento de verdade dramática genuinamente conquistada.
Do lado positivo considerável, o outro grande bônus da produção é Jimoh. Seguindo seu recente e emocionante Romeu para Rebecca Frecknall, como Hal, ele novamente canaliza uma sensação quase sobrenatural de calma que atrai o público para ele. E quando ele sorri, é como se nos revelasse segredos. E, como McKellen, seu manejo dos versos é maravilhosamente fácil.
A surpresa, portanto, é que a sua rejeição climática de Falstaff não atinge o nível emocional. Icke exagerou tanto a amargura necessária do estado que o momento parece necessário, em vez de emocionalmente devastador.
A chance de ver dois atores desse calibre no topo de seu jogo irá, com razão, vender ingressos e conquistar corações. A resposta gerada pela produção, porém, é menos emocional, mais cerebral.