Os produtores por trás de “Killers of the Flower Moon”, “Homem-Aranha: Através do Aranhaverso”, “Maestro” e mais filmes indicados ao Oscar sentaram-se para analisar seus respectivos projetos em Variedade FYC Fest: Os Produtores. As conversas foram moderadas por Variedade o editor sênior de artesãos Jazz Tangcay e o editor sênior de prêmios Clayton Davis.
O produtor de ‘Killers of the Flower Moon’ Daniel Lupi nas filmagens em Oklahoma, buscando autenticidade
O produtor Daniel Lupi se envolveu em “Killers of the Flower Moon” depois que o roteiro foi reescrito para centrar o relacionamento entre Ernest (Leonardo DiCaprio) e Mollie Burkhart (Lily Gladstone), contrastando com a versão original do roteiro, onde DiCaprio interpretava o agente do FBI. Tom Branco. Lupi disse que Martin Scorsese descreveu a nova versão como “quem não fez isso”.
“Ele queria ir direto ao cerne emocional da história e não ser Tom White chegando e salvando o dia”, disse Lupi sobre a intenção de Scorsese para o filme.
As filmagens em Oklahoma permitiram que a equipe mergulhasse no passado. “O local onde explodimos a casa ficava a um quarteirão de onde a casa real explodiu. E então você percebeu que muitos dos Osage e seus parentes tinham uma grande ligação com esses lugares”, disse Lupi. “Estávamos tentando fazer a manutenção do filme para Marty. E Marty… queria contar uma história verdadeira e representar a história em termos do que aconteceu com os Osage, então foi incrível estar em Oklahoma.”
Além dos locais de filmagem, Lupi discutiu o papel que a autenticidade desempenha em todos os aspectos do processo de filmagem, desde o elenco até o diálogo. Ele encerrou a conversa relembrando a primeira vez que o filme foi exibido na frente de 10 anciãos osages.
“No final, o chefe e alguns dos membros principais se voltaram para Marty e Leo, e foi um momento muito emocionante em que eles sentiram que Marty havia retratado a história de suas vidas da maneira adequada”, disse Lupi. Assista a conversa completa acima.
A pesquisa histórica sobre Leonardo Bernstein Eles não filmaram (mas ainda utilizaram) em ‘Maestro’
Certa vez, um amigo disse ao produtor Fred Berner que todo filme é como uma cinebiografia: “é sempre sobre alguém e você espera que haja algo que possa descobrir”. Para Berner, o processo de trabalho em “Maestro” começou com a pesquisa das coisas que Leonard Bernstein realizou, desde reger uma sinfonia num deserto egípcio até apresentar um concerto com Louis Armstrong. Embora esses eventos não estivessem no filme final da Netflix, Berner explicou que a pesquisa ajudou a construir uma linha emocional para esclarecer o que motivou o criador.
“Percebi que Leonard Bernstein personificava todas essas contradições, então, quer fosse, sou gay ou sou hetero? Ou é música clássica ou é música popular? Ou sou compositor ou maestro?” Berner disse. “A resposta é sim! Eu pensei, ‘Ok, existem todos esses conflitos inerentes, vamos jogá-los na parede e ver qual deles informa um ao outro’”.
Berner trabalhou com os colegas produtores Martin Scorsese, Josh Singer, Amy Durning, Steven Spielberg e Bradley Cooper para organizar e organizar esses eventos na vida de Bernstein em uma narrativa que “teria algum impacto emocional”. A resposta veio focando no relacionamento entre Bernstein e sua esposa Felicia, interpretada por Carey Mulligan.
Berner também detalhou dois momentos cruciais do filme: a performance na Catedral de Ely e a cena do Snoopy, que ele disse “são (cada um) muito especiais porque foram conquistados e porque em algum nível, como público, você está esperando por eles. .” Apesar das dificuldades que surgiram com a produção do filme, o que manteve Berner comprometido com “Maestro” ao longo da longa jornada foi o seu amor e apreço pela história.
“Em algum lugar do meu ser, percebi que Lenny seria uma grande personalidade no cinema para muitos, muitos anos depois, quando se tornou Bradley… foi tranquilo de entidade para entidade porque todos ainda sempre reverenciaram Lenny. Todos estavam a serviço disso”, disse ele.
A jornada de 8 anos para filmar ‘Io Capitano’
O diretor, escritor e produtor Matteo Garrone descreveu o processo de oito anos para levar o filme às telonas. A motivação por detrás desta história nomeada para um Óscar, centrada em dois adolescentes senegaleses que embarcam numa viagem extremamente difícil da África Ocidental para Itália, foi a constatação de que, muitas vezes, o público só é exposto a um lado da viagem de um migrante – quando os barcos chegar às costas da Sicília.
“Queríamos colocar a câmera do outro lado para contar a história do ponto de vista deles, para fazer um plano reverso, para dar ao público a possibilidade de viver essa jornada através dos olhos do protagonista”, disse Garrone.
Para manter a autenticidade da história, Garrone colaborou no roteiro com aqueles que já haviam feito a perigosa jornada e escalou ex-migrantes como figurantes.
Refletindo sobre a mensagem central de “Io Capitano”, Garrone disse que o filme é sobre esperança: “É sobre o desejo que cada um de nós tem de buscar uma vida melhor para descobrir o mundo”.
Os produtores de ‘Society of the Snow’ explicam como trabalharam ao lado dos sobreviventes do acidente de avião para contar sua história
Baseado no livro de Pablo Vierci, “Sociedade da Neve” da Netflix é centrado na história real do acidente de avião uruguaio em 1972, que deixou sobreviventes presos nas montanhas dos Andes. Os produtores Belén Atienza e Sandra Hermida revelaram que a jornada do filme até ser lançado na Netflix levou uma década para ser feita.
“Levamos mais de 10 anos. Nestes 10 anos, a indústria cinematográfica mudou, surgiram muitos parceiros diferentes”, disse Hermida. Ela acrescentou que foi um desafio encontrar apoio para um filme rodado em espanhol sem atores reconhecíveis no elenco.
Atienza disse sobre a viagem: “Estávamos prestes a perder os direitos. Quer dizer, estávamos a uma semana de perder os direitos e naquele momento recebemos uma ligação… Devo dizer que a Netflix nos apoiou muito desde o início.”
Notavelmente, “Society of the Snow” foi feito com o apoio dos sobreviventes da queda do avião, que Atienza disse “informou totalmente o tom da história e a forma de contá-la”.
A equipe de filmagem viajou ao Uruguai para conversar com os sobreviventes da queda do avião, reunindo de 40 a 50 horas de material para trabalhar.
“Nós os deixamos falar e falar e falar porque eles realmente precisavam trazer à tona muitas coisas que aconteceram com eles e que ninguém tinha ouvido até aquele momento”, disse Atienza.
Encontrando o ‘Encanto’ no Épico ‘Verso-Aranha’
“Se você trabalha com pessoas que são gênios, você fará filmes realmente bons”, disse Amy Pascal sobre seus colegas de “Homem-Aranha: Através do Aranhaverso”, Christopher Miller e Phil Lord, que também são escritores e produtores. no filme. “E o problema com esses caras é que seus cérebros são diferentes dos de qualquer outra pessoa. Seu talento está nos céus. O charme deles é tudo.”
Em conversa com Clayton Davis, Lord também elogiou a habilidade de produção de Pascal, reconhecendo que ela sabe o que deve estar no centro de uma história.
“Amy sabe que esses filmes podem ter toda a agitação que você quiser, mas se eles não são sobre pessoas e seus relacionamentos entre si, então tudo não tem sentido. E é isso que ela está tentando nos ensinar desde que fizemos nosso primeiro filme juntos”, disse ele.
“Across the Spider-Verse” é a sequência de sucesso de “Homem-Aranha: No Aranhaverso”, que segue o adolescente Miles Morales enquanto ele conhece vários outros super-heróis lançadores de teias de várias dimensões. Miller discutiu a abordagem da equipe para a tão esperada sequência.
“Todos nós sabíamos que você tinha que fazer algo diferente. E então foi difícil imaginar uma história que seria um novo capítulo para Miles, que parecia ter começo, meio e fim, que ele cresceria como pessoa, que Gwen cresceria como pessoa, que todos os pais cresceriam como pessoas, que todos neste filme têm um arco, mesmo que termine em um momento de angústia e Miles perca o tempo todo. Na verdade, ele está amadurecendo, crescendo e ficando mais forte”, disse ele.
O grupo também discutiu a animação como forma de contar histórias cinematográficas e as oportunidades únicas que apresenta como meio artístico.
“Há muita intimidade na animação”, disse Lord. “Há tanta coisa de olhar e ouvir quadro a quadro – como as pessoas se comportam, o que fazem quando não estão dizendo uma fala. E temos o foco de todos nisso. E eu acho que os filmes que Amy fez e que estamos tentando fazer – são filmes de grande orçamento e agradam ao público, mas são realmente focados nesses momentos íntimos.
Os produtores de ‘The Barber of Little Rock’ ao descobrirem seu assunto
Os diretores e produtores John Hoffman e Christine Turner sabiam que queriam fazer um filme sobre a disparidade de riqueza racial. Durante a sua pesquisa, depararam-se com o livro “A Cor do Dinheiro” de Mehrsa Baradaran, onde aprenderam sobre CDFIs, ou instituições financeiras de desenvolvimento comunitário, e como servem comunidades sem conta bancária. Depois de entrar em contato com o diretor do fundo CDFI, ela os apresentou a Arlo Washington, o tema do filme.
“Ela disse: ‘Tem um cara, ele tem um contêiner de transporte convertido, do qual administra o fundo de empréstimo, no estacionamento de sua faculdade de barbearia, e você precisa conhecê-lo.’ Claro, essa pessoa era Arlo. E assim que o conhecemos, sabíamos que esse era o nosso cara”, disse Turner.
Hoffman explicou que, como passaram muito tempo desenvolvendo a confiança das pessoas no filme, eles conseguiram se aprofundar muito nos assuntos em um tempo de execução limitado.
“Conseguimos dizer muito em pouco tempo pela intimidade que estabelecemos com as pessoas que acompanhávamos e pela profundidade da conversa que pudemos ter”, disse.
Quanto ao que espera que as pessoas tirem do filme, Washington disse que quer que as pessoas “saibam que há esperança”, com o Congresso a tomar medidas para apoiar as comunidades com CDFIs através de dotações.
“Gostaria que todos soubessem a importância de ter um banco porque custa mais não ter um banco do que ter um banco… Se cuidarmos dos centavos, os dólares cuidarão de si mesmos. E se compararmos isso com as pessoas, os centavos, as moedas, as moedas e as moedas de dez centavos, tudo faz sentido”, disse Washington. “Se pudéssemos incluir os membros da comunidade de rendimentos baixos e moderados e os seus dólares, tirar o dinheiro debaixo do colchão, tirá-lo da caixa de sapatos e colocá-lo no sistema, então teríamos uma economia mais forte porque todos precisamos uns dos outros. ”
Como a canção de Natal de John Lennon e Yoko Ono inspirou uma nova história de seu filho Sean Lennon Ono
A amada canção natalina de John Lennon e Yoko Ono “War Is Over! (Happy Xmas)” foi lançado pela primeira vez em 1971. Mais de 40 anos depois, seu filho Sean Lennon Ono deu nova vida ao seu trabalho ao produzir executivo e escrever um curta-metragem de animação que conta a história de dois soldados da Primeira Guerra Mundial, lutando por lados opostos, que iniciam um alegre jogo de xadrez através de um pombo-correio.
“Na verdade, eu estava tentando ter uma ideia para um videoclipe há algum tempo”, revelou Lennon Ono. “Mas tudo o que inventamos parecia meio chato ou desnecessário porque a música já era muito famosa. Não parecia que realmente precisava de acompanhamento visual no sentido tradicional de um videoclipe.”
Então Lennon Ono conheceu o escritor e diretor Dave Mullins. “Na primeira reunião, Dave e eu basicamente começamos a discutir ideias que acabaram sendo a base do filme que você vê”, disse ele.
À medida que a história animada se desenrolava, a equipe voltava a uma questão: onde a música icônica tocaria no filme?
O produtor Brad Booker disse: “Eu sempre digo que a música era uma peça de um quebra-cabeça que não se encaixava direito. Continuamos tentando em lugares diferentes… Então foi uma daquelas coisas que acho que finalmente chegamos ao lugar onde precisava estar. Mas foi só quando trouxemos o (compositor) Thomas (Newman) que foi realmente o ponto central onde tudo se estabeleceu completamente e se encaixou.
Newman elaborou uma trilha sonora emocionante para o filme em apenas duas semanas.
Lennon Ono disse sobre “A guerra acabou!” posicionamento da música, “Acho que acabou sendo a melhor coisa do filme – é que meio que leva à música e quando a música finalmente cai, há tanto contexto na história e na emoção do enredo que ressoa melhor do que acho que qualquer um de nós poderia ter pedido.”