Hayao Miyazakifilme de animação de 2001 “Afastado de espírito”ganhou tudo, desde o Oscar de Melhor Animação até o Urso de Ouro de Berlim. O fato de haver público para uma versão de palco foi evidenciado por sua temporada em Tóquio em 2022, esgotando em quatro minutos. Agora em Londres e apresentado em japonês com legendas em inglês, as vendas são altas no London Coliseum, com 2.263 lugares, e a tiragem limitada agora é estendida por cinco semanas. Mas o que este espetáculo gigante de três horas prova acima de tudo é que, embora ser fiel seja totalmente admirável num relacionamento, não é a resposta mais teatral à questão de como adaptar uma obra-prima.
Foi a Disney quem conquistou o mercado na encenação de clássicos de animação, inicialmente com “A Bela e a Fera”, mas depois, num movimento astuto, com o consideravelmente mais teatral “O Rei Leão”, que é muito mais do que uma simples cópia. Há momentos em que você sente que “Spirited Away” quer ser mais parecido com o último. Mas, apesar de todo o talento da vasta equipe de design que proporciona momentos “uau”, durante grande parte do show de três horas – 45 minutos a mais que o filme mais o intervalo – parece mais próximo da natureza obstinadamente literal e imitadora do primeiro.
Isso fica claro na sequência de abertura, que reproduz servilmente o início do filme. A jovem Chihiro (Mone Kamishiraishi na performance analisada; os protagonistas são duplos) está sendo levada para uma nova casa por seus pais em um carro em uma estrada esburacada: deixa os atores sentados movimentarem-se com solavancos. No exato ponto da cena em que o título do filme aparece na tela sobre a ação, ele é projetado no fundo do palco.
Felizmente, uma vez dentro do mundo perigosamente mágico em que nossa engenhosa heroína se encontra, a equipe criativa flexiona seus consideráveis músculos – e orçamento. Uma vasta equipe de bastidores é responsável por tudo, desde enormes cenários em toca-discos até projeções, adereços animados e uma variedade deslumbrante de criaturas e figurinos em constante mudança, usados e trabalhados por um elenco multiqualificado de trinta pessoas, a maioria dos quais também atuam como dançarinos e acrobatas e titereiros de todas as formas e estilos. Somente as marionetes de Toby Olié abrangem desde fantoches de haste voadora operados solo até figuras gigantes criadas diante de seus olhos por vários artistas, além do dragão voador que ruge e voa por toda a altura do palco, o mais largo de Londres.
Mas o maior problema do show se cristaliza quando quase todo mundo está no palco para o mais próximo que essa adaptação chega de um número de produção. De repente, em vez de uma sucessão de efeitos, quase toda a companhia trabalha em coesão tanto cantando quanto dançando, e a temperatura emocional aumenta. É compreensível que o diretor John Caird não quisesse interromper a ação do filme notavelmente fluido, mas colocar um botão no número com o público aplaudindo faz você perceber que esta é a primeira vez que o show não é apenas um reprodução, mas teatral em seus próprios termos. O problema é que faltam cerca de cinco minutos para o intervalo, 85 minutos de show.
A segunda metade menos expositiva finalmente começa a ter peso emocional, especialmente nas relações entre Chihiro e seu amigo dragão Haku (Kotaro Daigo), e com Mari Natsuki se divertindo como a malvada Yubaba e sua melhor irmã gêmea Zeniba.
O tom, a paleta de cores e todo o teor do cenário de Jon Bausor permitem que a história do filme aconteça com fluidez e tudo é mantido pela trilha sonora quase constante de Joe Hisaishi. Enquanto no filme a música apoia, mas fica em segundo plano em relação ao visual, aqui sua presença está muito mais avançada nos sentidos do público.
Com apenas uma banda de 11 integrantes com apenas três cordas, a orquestra é melhor em soco e pontuação do que em um som de cordas romântico e verdadeiramente pesado. Mas a assombrosa escrita de instrumentos de sopro do compositor, além das melodias repetidas, docemente sentimentais, ainda fazem maravilhas, especialmente na cena melancólica em que Chihiro simplesmente se senta desamparadamente em um assento de trem, diante de um cenário projetado e de preocupações. A verdadeira ternura finalmente vem à tona. É um dos momentos mais simplesmente encenados e, como tal, uma ligeira acusação a todo o trabalho de design apelativo que é a marca da produção.
Estranhamente, as legendas estão tão distantes dos dois lados do auditório ou tão acima do palco que, para lê-las, é preciso desviar o olhar da ação. E para quem não conhece totalmente o filme, lê-los é uma necessidade para acompanhar a estranheza deliberada da história. O resultado é um desligamento repetido. Isso é particularmente inútil em um programa que pode agradar seus muitos fãs fervorosos, mas raramente gera emoção além do reconhecimento de quão astuciosamente reproduz o original.